«Dress in light and shadow» Raffaele Ingegno

Sobre por qué hay que experimentar y por qué merece la pena inspirarse en el trabajo de otros fotógrafos, así como sobre el trasfondo y el proceso de creación del proyecto excepcional «Dress in light and shadow», nos habla Raffaele Ingegno.

Mi inspiración fue el trabajo de George Mayer, un destacado fotógrafo ruso nacido en 1985, que realizó hermosas series de fotografías llevando a cabo numerosos experimentos con doble exposición, espejos, colores, sombras y patrones geométricos. Fotografió principalmente a personas, inspirándose en las sombras de sus siluetas, a menudo combinándolas con figuras geométricas luminosas.

Yo también quise experimentar utilizando esta idea para ampliar mis competencias y mi capacidad de aplicar con precisión recortes de luz y sombras proyectadas. Así nació la fotografía de Chiara Bianchino, vestida con un elegante vestido negro.

No quería usar un proyector, porque la idea me pareció demasiado banal. Hay muchas fotografías realizadas con proyector y no quería repetir el mismo esquema. Es posible que en el futuro quiera utilizar esta técnica para crear algo nuevo, pero esta vez me centré únicamente en el juego de luz y sombra.

Estuve pensando durante mucho tiempo en la cuestión técnica y me hice una pregunta: en lugar de usar la sombra como elemento para dibujar, ¿podría usar la luz? A los pocos días me puse manos a la obra y empecé a experimentar. Tenía que saber si era factible y si el efecto resultante sería agradable a la vista y visualmente coherente. En la fotografía con Chiara, todo lo que está en sombra es casi completamente invisible y crea así un vestido perfectamente negro hecho de sombra. En cambio, en la fotografía que quería crear ahora sería al revés: la luz debía desempeñar el papel de la ropa. Por lo tanto, tenía que iluminar determinadas partes del cuerpo de la modelo de tal manera que dejara de ser legible y perdiera su imagen original. En esencia, buscaba crear un vestido de luz.

La clave es comprender la esencia de la luz dura y la luz suave

La primera se produce cuando existe una transición clara y rápida de las zonas iluminadas a las sombras. La luz suave tiene una transición muy fluida y suave desde las zonas claras hacia las zonas sombreadas. Estos dos tipos básicos de luz son fáciles de conseguir. Todo depende de su fuente: es decir, de lo grande que sea y de cómo esté colocada respecto a la modelo. He observado que, para corregir una sombra en el rostro que es algo demasiado fuerte o está mal situada, muchos fotógrafos alejan la lámpara de la modelo, como si el problema fuera la potencia de la luz. Nada más lejos de la realidad. La luz dura se genera utilizando un modificador pequeño, mientras que la luz suave se obtiene usando uno grande. Si tengo a mi disposición un Stroboss pequeño sin ningún difusor, trabajo con una fuente de luz de unos pocos centímetros de diámetro, que es muy pequeña y generará sombras muy definidas. Si coloco ese mismo speedlite dentro de un softbox muy grande, generaré luz suave.

Lo más importante es la distancia respecto al sujeto fotografiado

En realidad, el tamaño del modificador depende de la distancia entre la fuente de luz y el sujeto. Si utilizo un softbox para suavizar la luz, al mismo tiempo debo colocarlo lo más cerca posible de la modelo para que la luz sea realmente suave. Si lo sitúo a 10 metros del sujeto, no obtendré luz suave. Por ejemplo, el Sol es incomparablemente más grande que la Tierra, pero al mismo tiempo está muy lejos de ella. El resultado son sombras muy duras y definidas en un día despejado y sin nubes. Ocurre de otro modo cuando hay niebla o nos encontramos con un cielo nublado: entonces las nubes crean una especie de «softbox», atenuando y también dispersando la luz solar.

Pero volvamos a nuestro tema principal, es decir, al proceso de creación de la fotografía. Me llevó bastante tiempo sincronizarlo todo para que funcionara bien. Utilicé una sola fuente de luz, y también algo de luz natural (ambiente) que entraba por la ventana del estudio. Coloqué la lámpara de luz continua Quadralite Atlas LED y recorté una máscara de cartón (gobo) que me permitiría no iluminar el rostro y el escote del hipotético vestido de la modelo. Estas partes no están iluminadas por la lámpara: son visibles porque están iluminadas por la luz que «dejé entrar» en la habitación. Sinceramente, quien tuvo más dificultades fue la modelo, que no podía moverse ni trabajar con libertad. Tenía que adoptar esa posición y permanecer inmóvil todo el tiempo para que yo pudiera iluminar aquellas zonas que más me interesaban. ¡Aquí va un gran aplauso para mi modelo por su dedicación y paciencia!

Además de colocar la lámpara LED sin modificador (lo que para la modelo resultaba poco agradable debido a la luz intensa que caía directamente hacia ella), tuve que ocuparme de otros dos aspectos muy importantes: la distancia de la modelo respecto al fondo gris y la distancia de la máscara de cartón respecto a la modelo. Precisamente esta segunda distancia es extremadamente importante, porque determina en gran medida la precisión de la transición entre la luz y la sombra. Esto es fundamental para percibir la piel como una especie de tejido. La transición debe ser muy marcada.

Para lograrlo, la máscara o cualquier objeto que proyecte una sombra sobre el cuerpo debe colocarse muy cerca de la persona fotografiada. Para comprobarlo basta con hacer una prueba sencilla, usando incluso la linterna de un smartphone. Tenemos un haz de luz muy pequeño en forma de diodo LED, así que podemos dirigirlo hacia una pared y observar qué ocurre con la sombra al mover la mano delante de él. Si colocamos la mano cerca de la fuente de luz, la sombra será grande y no demasiado definida en los contornos. Si ponemos la mano en la pared, donde cae la luz, la sombra se hará más pequeña, pero muy definida en los contornos.

Exactamente eso mismo tuve que hacer en el estudio. Coloqué la máscara de cartón que había preparado lo suficientemente cerca de la modelo para obtener sombras muy detalladas. Para acentuar la ilusión del vestido de luz también utilicé una profundidad de campo reducida, lo que, combinado con una luz intensa, dio el efecto que buscaba. La exposición estaba ajustada de forma que el rostro, iluminado por la luz ambiente, quedara ligeramente subexpuesto, mientras que el cuerpo estuviera fuertemente iluminado por la lámpara.

En algunas pruebas, como se puede ver en la serie de fotografías de arriba sin ninguna posproducción, intenté limpiar el fondo de sombras utilizando otra luz, pero lo único que podía conseguir era un fondo sobreexpuesto que se fundía con el cuerpo de la modelo. Estaba trabajando en exponer correctamente algo muy poco iluminado, así que cualquier otra fuente de luz, incluso de baja intensidad, contaminaría la escena y dificultaría el trabajo.

El resultado final de mis experimentos es satisfactorio y estoy muy contento con él. Es un gran ejemplo de que merece la pena nutrirse del trabajo de otros fotógrafos y, sobre esa base, construir nuestras propias imágenes. De este modo ejercitamos no solo nuestras habilidades al trabajar con el equipo, sino que también tenemos un momento para reflexionar sobre algunos aspectos de naturaleza conceptual. Al fin y al cabo, lo que percibimos y cómo lo percibimos está directamente relacionado con el juego de luces y sombras. Yo no tengo intención de detenerme aquí y ya estoy trabajando en la creación de composiciones aún más complejas y precisas, combinando sombra y luz. ¡Algo a lo que también les animo!

Texto y fotografías – Raffaele Ingegno